Franz Schubert (1797-1828)

Quatuor Nr.14 in d-minor "Death and the maiden" D810 (1824)

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In the middle of the 14th century the bubonic plague - the black death - eradicated half of the

population in Europe.
 

From about this time appeared representations of the "dance of death", first in France ("danse macabre"). But soon such images appeared all over Europe - Basel 1439/40, Lübeck 1460, Bern 1516, Dresden 1534, other examples are in Italy, Croatia or the Baltic states. These pictures were mostly on the walls of churches or cemeteries. These were the times of widespread illiteracy when religious instruction had mostly to be done by preaching and by pictures (the so-called « Bible of the poor »).

Mostly these representations are series of some dozens of pictures, always one human being meeting and often dancing with his death. The pictures usually followed the hierarchy of society, starting with the pope, and then going down from Kaiser and his spouse to cardinal, king, clergyman, hermit, peasant, young man, maiden, child and so on.

Very often the individual pictures were accompanied by short verses in four lines, as a rule, the human being says something to death and then death responds. These verses often included some humor or even social criticism.

There are also several documented scenic performances of the dance of death. In the Spanish village Verges the medieval custom of a performed dance of death has been maintained to the present. In the night before good Friday skeletons with scythes will dance to drum rhythms on the main square.

Certain episodes of the dance of death later also served as artistic subjects, the grueling combination of the skeleton and the innocent maiden being a favorite theme of Baroque painters.

The poem "Der Tod und das Mädchen"  (1785) by Matthias Claudius (1740-1815) is clearly an emanation of this medieval and baroque tradition. It even takes over the form of the ancient verses with a dialogue between victim and death. The girl is shaken in terror, tells death to go away and then continues: My dear, do not touch me. Death, however, answers: Give me your hand you beautiful and tender creature, I am a friend, I have not come to punish. Cheer up, I am not wild, you will sleep in my arms tenderly. Such consoling and even seducing words will still give chilling shivers, coming from a skeleton that will take you to your grave.

Franz Schubert set this poem to music in his Lied in 1817: After the agitated and rhythmically irregular exclamation by the terrorized maiden the rhythm becomes that of a solemn Pavan just in the moment when she calls him "dear". The Pavan, a dignified and formal Renaissance dance was often danced by the king. It also was used in music of mourning, e.g. by Dowland. In the context of Schubert's Lied, the Pavan rhythm expresses the sovereign power of death over the surrendering human creature.

This same material reappears in Franz Schubert's Quatuor Nr.14 in d-minor "Death and the maiden" (1824).  The variations of the slow movement explore different facets of the Pavan part of the Lied: Anxiety, menace, anger. The variation with the solo cello can maybe be understood as the tender seduction of a shy virgin.

The first movement, however, takes up the atmosphere of the agitated first part of the Lied: Terror strikes from the first beat, death appearing from nowhere and repeated triplets putting everything into excited doubt.

The Scherzo then can be seen as the death dance. The trio, however, is a caressing, even erotic waltz, where the girl maybe still feels sad longings for life or is the longing already for death? During the repetition of the Scherzo, the girl has to surrender to the more and more violent dance.

The final movement is a furious, irreal and ghastly tarantella leading into another world.

Schubert wrote this Quatuor in a very difficult time. The failure of his operas, his poverty, his miserable and declining state of health, the absence of his best friends, and the anguish of disappointed love drove him to despair. In a letter to his friend Kupelwieser he wrote: "I feel myself the most unhappy, most wretched being in the world. Figure to yourself a man whose health will never come right again, and who in his despair at this is always making things worse instead of better; a man whose most brilliant hopes have come to nothing, to whom the happiness of love and friendship offers nothing but sorrow, whom the feeling (the inspiring feeling at least) for the beautiful threatens to abandon; and ask yourself if he is not wretched, unhappy? 'My peace is gone, my heart is heavy; I shall find it never, and never more;' I can say daily, for every night when I go to sleep, I hope that I may never wake again, and every morning renews the grief of yesterday....."

Clearly, we have here the idea of death as a friend and redeemer. 

In March 2015 with the wonderful Saint Paul Chamber Orchestra, I had the chance to explore Schubert's Quatuor „Death and the maiden“ in a multifaceted project. Of course, we had to include Schubert's earlier song with the same title on the poem of Matthias Claudius. This song belonging to the medieval tradition of the dance of death We also had to play „Toden Tanz“ (with poor me dancing disguised as a skeleton), an ancient death dance written up by the German organ player August Nörmiger (1560-1613). Schubert's song and the slow movement of his Quatuor use the solemn rhythm of a Pavan, so we also played one of Dowland's Pavans from „Seven Teares“. Add to this „Moro lasso“ a madrigal about death by the famous Renaissance composer (and murderer!) Gesualdo. In between, we also refreshed our ears with other unsettling works by modern composers like György Kurtag and Heinz Holliger. My thanks go to all the members and the staff of the orchestra for their enthusiastic support and to Bruce Coppock who made all this possible.

Zum Variationensatz im „Forellenquintett“ in A-Dur, Op.posth 114 D667.

 

Schubert hat zu einigen seiner Lieder auch instrumentale Variationensätze geschrieben, einer  findet sich auch im Forellenquintett. Der Liedtext ist ja bekannt:

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In einem Bächlein helle  
Da schoss in froher Eil 
Die launische Forelle 
Vorüber wie ein Pfeil 
Ich stand an dem Gestade 
Und schaut in süsser Ruh
Des muntern Fisches Bade
Im klaren Bächlein zu.

 

Ein Fischer mit der Rute 
Wohl an dem Ufer stand 
Und sah's mit kaltem Blute
Wie sich das Fischlein wand.
Solang dem Wasser Helle 
So dacht ich nicht gebricht
So fängt er die Forelle 
Mit seiner Angel nicht.

 

Doch plötzlich war dem Diebe 
Die Zeit zu lang. Er macht
Das Bächlein tückisch trübe,
Und eh ich es gedacht 
So zuckte seine Rute,
Das Fischlein zappelt dran
Und ich mit regem Blute 
Sah die Betrogne an.

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Weniger bekannt ist Entstehung dieses Gedichtes: Der Dichter und Organist Christian Friedrich Daniel Schubart schrieb es 1782 in der Württembergischen Festung Hohenasperg, wo er seit schon über fünf Jahren in einem Turm in Einzelhaft sass. Anfangs war er dort mit Sprech- und Schreibverbot belegt und wurde häufig geprügelt. 

Der Grund: Geboren 1739 war er ab 1769 Organist im Württembergischen Ludwigsburg wurde dort aber wegen kirchenfeindlicher Gesinnung und Liederlichkeit des Landes verwiesen. Im Exil schrieb er wöchentlich in seiner "Deutschen Chronik" freimütige Beiträge zu Musik und Literatur, sowie Polemiken gegen Kirche und Absolutismus, gegen inkompetente Regenten und Kleinstaaterei. Er propagierte Grundrechte, Nationalstaat und die Genie-Aesthetik von Sturm und Drang.

1777 wurde er auf Anordnung des Herzogs mit einer tückischen List über die Grenze nach Württemberg gelockt und als gefährliches Subjekt zwecks gewaltsamer Umerziehung eingesperrt. Zuerst konnte er seine Gedichte nur durch ein Mauerloch einem Mitgefangenen diktieren und dann aus dem Gefängnis herausschmuggeln lassen. Jahre  später durfte er Gedichte auch aufschreiben und nach  Zensur weitergeben. Erst zehn Jahre später freigelassen starb er schon 1791. 

Das Forellengedicht beschreibt eigentlich Schubarts eigenes Schicksal, aber verschlüsselt. Zur noch besseren Täuschung der Zensur hatte das Gedicht noch eine vierte Strophe, welche unerfahrene Mädchen davor warnt, sich von falschherzigen Verführern angeln zu lassen.

Den Zeitgenossen jedoch war der autobiographisch-politische Gehalt klar. Und Schubert, der später, aber im ähnlich repressiven Metternich'schen Staat lebte, vertonte auch nur die ersten drei Liedstrophen und dies in einer musikalischen Form, die ein Anhängen der tarnenden letzten Strophe gar nicht erlaubt.

Auch im Variationensatz des sogenannten Forellenquintetts kann man das Gedicht anklingen hören: Zuerst das Thema als friedliche Natur. In der ersten Variation das Spiel der Wellen. In der zweiten das Spiel der Forelle. In Variation drei spielen Cello und Kontrabass das Thema unisono und piano (es wird allerdings entgegen der Anweisung immer forte gespielt!), übertönt von im forte wirbelnden Arpeggien des Klaviers - wirbelt hier der Fischer verstohlen das Bächlein auf, der Forelle die Sicht trübend? Die vierte Variation fortissimo, höchste Erregung, dann Ersterben - kämpft und verendet hier die Forelle an der Angel? Dann das traurig klagende Cello der fünften Variation, eine der überhaupt rührendsten Celloparts der Kammermusik - wohl die Trauer über den Verlust von Freiheit und Leben. Zuletzt als doch heiterer Abschluss die Erinnerung, was die Forelle war und sein könnte.

Wenn Schuberts Zeitgenossen das Stück politisch verstehen konnten, so können wir heute darin auch eine Klage über den stückweisen Verlust von Natur und Kreatur hören.

 

 

Streichquintett C-Dur op.163, D956

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Nur zwei Monate vor seinem Tod schrieb Schubert sein Streichquintett. Die Uraufführung erst ein Vierteljahrhundert später erweckte bei Joseph Joachim Befremden wegen der ungewohnten Klänge. Aber das Werk ist die Summa der Kammermusik, von diesseitiger Seligkeit, aber besonders von endzeitlichen Extremen und Ausblicken ins Jenseits sprechend. DAS Werk für die Insel und ein Muss, wenn man zwei gute Cellisten zur Hand hat.

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